Come le ore felici?
Diciamo pure una vita intera!
Quella di Jacominus Gainsborough.
Le foglie d’autunno nel parco, la pioggia, la bassa marea.
Un capitombolo, un arrivederci sul molo, un buongiorno in un giardino di pietre-
Un picnic, qualche gita e l’ombra fresca sotto il mandorlo.
Tutto qui.
Una vita.

Oggi parlerò di un gioiellino che, al momento, si trova al Primo posto nella mia personale classifica di gradimento degli Albi illustrati.

IL LIBRO DELLE ORE FELICI DI JACOMINUS GAINSBOURGH di Rebecca Dautremer

L’Autrice, nell’introdurre l’Albo, si rivolge ai bambini tranquillizzandoli e suggerendogli di non preoccuparsi troppo se non comprendono tutto ciò che vedono e leggono perché per capire alcune cose ci vuole del tempo. E aggiunge che non si tratta di un libro per soli bambini ma anche (e forse soprattutto) per adulti.

Il Libro delle Ore Felici è un libro da condividere tra adulti e bambini.

La storia percorre tutto l’arco dell’esistenza di Jacominus, un piccolo coniglietto taciturno e sognatore, venuto al mondo in un giorno qualunque e in un posto qualunque.

I familiari e gli amici del protagonista sono rappresentati nei risguardi e non tutti sono poi citati nel racconto.

L’abbigliamento dei personaggi, le ambientazioni e la tonalità delle tavole rimandano ai tempi passati.

Le tavole illustrate a doppia pagina raccontano gli avvenimenti della vita di Jacominus e sono intervallate
da tavole bianche che rimandano a una dimensione più intima del protagonista, ai suoi momenti di riflessione sulla propria vita. Queste pagine bianche scandiscono la crescita del coniglietto.

All’interno del libro sono presenti tre suggestive pagine in cui ritratti e fotografie, corredati da brevi didascalie, riassumono la vita di Jacominus, i suoi ricordi, le sue sensazioni, le sue emozioni, le persone che ha incontrato e che ha atteso…

LE ILLUSTRAZIONI

Le inquadrature e le scene sono studiate con molta cura.
Quando sfoglio l’Albo mi sembra quasi di “cadere” dentro le tavole illustrate. Questo è dovuto al punto di vista originale utilizzato dalla Dautremer, che la rende molto riconoscibile in ogni suo lavoro.
Sia i personaggi che le ambientazioni, a causa di queste inquadrature particolari, molto “cinematografiche”, talvolta provocano in me una sensazione visiva di distorsione. Una bella sensazione di distorsione.
Nelle illustrazioni a doppia pagina la profondità di campo sembra non finire mai perchè gli elementi sono disposti dal vicinissimo al lontanissimo tanto che, in una tavola in particolare, il personaggio più vicino ai miei occhi di osservatrice sembra quasi sfondare la scena.
I personaggi sono spesso collocati in posizioni insolite, come se fossero nascosti, tanto che è necessario soffermarsi a cercarli dentro le tavole illustrate. Sono presenti anche richiami del testo a situazioni o a personaggi che si trovano in pagine precedenti. Questi richiami rendono la lettura dinamica, attiva, invitano alla calma, alla riflessione, a tornare indietro e a scoprire sempre nuovi dettagli.

L’Albo è ricco di citazioni artistiche:

una tavola a doppia pagina è piena di particolari e di personaggi e ricorda i dipinti di Bruegel;

un’altra sembra un richiamo a Jack Vettriano e alle sue “luci” sulla spiaggia;

un’illustrazione è caratterizzata da una sorta di disequilibrio: raffigura una scena in cui Jacominus è inquadrato di sbieco, rapito in un vortice insieme a tutti i suoi affetti ed evoca la scena della caduta di Alice nella tana del Bianconiglio.

La bassa marea che arriva fino all’orizzonte, personalmente, mi ricorda Mont Saint-Michel…

Perché vale la pena leggere Jacominus?

E’ una storia che ci ricorda che il senso della vita è la vita stessa.
L’arco narrativo della storia abbraccia tutta la vita di Jacominus, dalla nascita alla morte. Nella sua esistenza Jacominus non ha fatto niente di “speciale”, nulla di memorabile che possa finire in un quotidiano, in un libro di storia, di letteratura o d’arte.

Jacominus ha vissuto una vita ordinaria, come quella di tanti altri.

Scrive l’Autrice: “Perchè proprio LUI?” Mi chiederai. “Perchè, come ha detto lo stesso Jacominus, la sua vita valeva la pena di essere vissuta. E di conseguenza a me è sembrato che valesse la pena di essere raccontata”.

Ed è proprio qui che risiede lo straordinario: in un mondo in cui conta solo l’apparire, questo Albo ci riporta alla realtà e alla genuinità parlandoci di tenerezza e di bellezza della quotidianità.

Jacominus ci invita a riconsiderare la nostra vita e a guardarla con gli occhi dei bambini che colgono stupiti la vera essenza, l’autenticità e la magia delle piccole cose.

A Presto, Federica.

https://rizzoli.rizzolilibri.it/libri/il-libro-delle-ore-felici-di-jacominus-gainsborough/

Lo stesso Claude Monet (1840-1926) affermò di esser diventato pittore grazie ai fiori.

Quella tra Pittura e Natura, in particolare, è una relazione molto stretta.

Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet che dipinge nel suo giardino, 1873, olio su tela

Quante volte osservando un fiore, il mare o un tramonto abbiamo pensato di contemplare un’opera d’arte?

Una volta mi trovavo al Museo delle Belle Arti di Bruxelles davanti a una delle versioni del dipinto surrealista “L’impero delle luci” di Renè Magritte. Il quadro era esposto infondo a una stanza buia ed era illuminato da una piccola luce che faceva risaltare l’opera in tutta la sua magnificenza. Nel contemplarlo da vicino, in quell’ambiente così particolare, ho provato uno stupore e un coinvolgimento emotivo che non riesco a spiegare con le parole. L’unica cosa che posso dire è che ho provato una sensazione di immensità simile a quella che provo quando ammiro un paesaggio naturale mozzafiato.

 Magritte, L’empire des lumières, 1961 © Sotheby’s

L’arte è infatti capace di suscitare emozioni contrastanti, di meraviglia o anche d’angoscia, stati d’animo del tutto simili a quelli che possiamo provare davanti alla natura.

Apprendimenti pieni di significato

Pittura e natura possono contribuire, interagendo tra loro, a sviluppare apprendimenti pieni di significato.  Per esempio, attraverso l’osservazione e l’analisi delle opere d’arte si può fare divulgazione scientifica con il fine di promuovere nelle persone una maggiore conoscenza dei fenomeni naturali e delle tematiche ambientali, quali l’importanza della tutela della biodiversità.
Noi uomini siamo animali, non viviamo a prescindere dalla natura ed essa non è un’entità separata da noi. Siamo esseri naturali e conviviamo sul Pianeta Terra insieme a tutti gli altri esseri viventi. Nel corso della nostra storia ci siamo dimenticati di tutto questo e abbiamo assunto via via un approccio antropocentrico che ci ha portato a dominare l’ambiente naturale senza alcun rispetto per la biodiversità e a conseguenti problematiche a danno dell’ambiente naturale e della sopravvivenza del Pianeta.
La complessità che caratterizza l’arte, fatta di varietà di stili, mezzi, materiali e sensibilità diverse, ci può aiutare nel recupero del concetto di complessità del sistema naturale, nella consapevolezza della varietà, intesa come ricchezza, delle forme di vita che caratterizzano la natura stessa.

 Leonardo Da Vinci, Studio di insetti

Il processo creativo

Il contributo della relazione tra arte e natura non si esaurisce nell’attività di osservazione dell’opera d’arte ma si allarga comprendendo il processo creativo: rappresentare la natura attraverso il disegno e la pittura affina le nostre capacità di osservazione e ci aiuta a rielaborare e fissare le conoscenze.
Impegnarsi in attività artistiche stimola immaginazione e creatività, abilità fondamentali nella risoluzione dei problemi di ogni tipo e, nel caso specifico, nella ricerca di soluzioni sempre nuove per “vincere le grandi sfide ecologiche del futuro” (Marchesini, Natura e Pedagogia).
Ritrarre la natura dal vivo ci offre la doppia opportunità di studiarla da vicino e ampliare quindi la nostra conoscenza e comprensione dei fenomeni naturali ma ci permette anche di sperimentare luci, colori e composizione, un pò come facevano gli impressionisti attraverso la pittura en plein air.
Osservando un fiore esposto al sole, per esempio, potremmo accorgerci che le ombre che esso proietta non sono nere (come spesso le dipingiamo) ma sono costituite da sfumature di colori che dipendono dalla luce, dal colore del fiore, dal suo colore complementare e dalle caratteristiche della superficie su cui è proiettato.

Claude Monet, La Passerella Giapponese e la Piscina di Ninfee, Giverny, 1899, Olio su tela, Musée d’Orsay, Paris  Fonte: www.arte.it

Materiali naturali

Anche quando consideriamo i materiali di cui ci serviamo per dipingere possiamo ritrovare il particolare intreccio tra arte e natura in vari modi. Possiamo, per esempio, autoprodurre i mezzi per dipingere attingendo dalla natura e prendendo spunto dai pittori delle epoche passate che estraevano i coloranti dalle piante. Oppure possiamo dedicarci all’affascinante tecnica dell’acquerello perché uno dei suoi ingredienti principali è rappresentato dall’elemento fondamentale per la vita: l’acqua.

In particolare quando utilizziamo la tecnica del “bagnato su bagnato”, agiamo all’interno di un’esperienza con risvolti inaspettati e non controllabili totalmente: l’acqua danza con il colore e lo porta in giro con sé offrendoci la possibilità di sperimentare ed educarci all’imprevedibilità, caratteristica della vita stessa.

Concludo questa riflessione elencando alcuni libri sulla natura:

Kaatje Vermeire. Il giardino di Monet. Ediz. a colori. Kite edizioni, 2020

Samantha Friedman, Cristina Amodeo, Elena Baboni, Alice Keller, Il giardino di Matisse, Fatatrac, 2019

Chiara Sallemi, Lorenzo Tozzi, Lucia Scuderi. Alberi InCanti, edito da Fulmino, 2020

Lucia Scuderi. Il giardino delle meraviglie. Storie, segreti, ricette intorno alle piante del Mediterraneo. Donzelli editore

Alla prossima! 

“Tre in tutto” parte da un piccolo scrigno dei ricordi e ci racconta una Storia di solidarietà e di spirito unitario tra il Nord e il Sud d’Italia ambientata in un tempo passato in cui chi aveva solo un poco in più lo condivideva con gli altri.
Usando le parole del Cantautore Francesco De Gregori potremmo dire che il tema di cui si parla è quello della Nostra Storia.

Quest’Albo ha quindi il grande merito di riportare alla memoria una pagina di Storia nazionale, già narrata nel libro “I treni della felicità” di Giovanni Rinaldi e nel film-documentario “Pasta nera” di Alessandro Piva. Attraverso uno sguardo nuovo e originale, l’Albo illustrato parla di accoglienza e ripensa al concetto stesso di famiglia.

Tratto da una storia vera

Durante il Secondo Dopoguerra italiano, nonostante la devastazione causata dai bombardamenti e dalla miseria, nel Paese si respirava una grande voglia di Rinascita che si concretizzava anche nell’ospitalità che numerosi lavoratori del Centro-Nord offrivano ai bambini delle più sfortunate famiglie del Sud. “L’Unione delle Donne italiane” e i comitati delle varie città allestirono i “Treni della felicità”, che tra il 1945 e il 1952, portarono migliaia di bambini in viaggio, dal Sud al Nord, per un’opportunità di riscatto. 

I soggiorni dei bambini al Nord erano temporanei e permettevano alle famiglie del Sud di riorganizzarsi, ricostruire e riprendersi da un periodo di estrema difficoltà per prepararsi a riaccogliere poi i propri figli, che nel frattempo avevano trovato accoglienza, nutrimento, accudimento, momenti di spensieratezza e calore. 

Nell’Albo illustrato, l’autore Davide Calì ci accompagna in questa storia del passato in modo delicato e piacevole e dà voce al protagonista ma non ci svela il suo nome, forse per rimarcare il tema dell’esperienza collettiva? O forse per altri motivi che non conosciamo e che hanno risposta solo nella testa, piena di immaginario, dello scrittore. 

Le illustrazioni di Isabella Labate sono realizzate con la grafite, attraverso un tratto sfumato, caratteristico dei ricordi.

Le immagini sono piene di dettagli. I personaggi sono molto espressivi, talmente tanto da sembrare veri. 

L’esperienza collettiva ci viene restituita attraverso l’illustrazione di situazioni di vita quotidiana.

Talvolta testo e immagini seguono percorsi diversi, raccontando la storia in maniera autonoma e questo ci fa pensare a quel rapporto particolare tra parole e figure presente negli Albi di qualità (di cui ho accennato quihttps://www.federicanocco.it/wp-admin/post.php?post=598&action=edit).

Anche in questo racconto, come nel precedente “Un leone a Parigi”, ho individuato dei cenni fiabeschi come quelli del viaggio iniziatico: il protagonista si allontana dal suo luogo d’origine e, dopo aver superato le sue paure dell’ignoto, lo affronta e impara a conoscerlo per poi tornare nella sua terra con una nuova consapevolezza.

E il tema della (non) consapevolezza della propria condizione in questo Albo si esplicita già nelle prime pagine e si sviluppa più avanti, alla fine, quando i protagonisti ritornano nella loro terra d’origine cambiati, cresciuti, con un nuovo punto di vista, con tante nuove esperienze di vita. E’ proprio vero che tutto è relativo. 

Attraverso due Albi molto diversi tra loro, “Un leone a Parigi” e “Tre in tutto”, ci siamo resi conto del fatto che uno stesso tema possa essere affrontato in vari modi e che possa essere adattato, sintetizzato e presentato in vari contesti educativi.

Dal punto di vista educativo questo significa valorizzare le diversità attraverso spunti diversi. 

Dal punto di vista artistico, si può partire da due produzioni così diverse per conoscere e sperimentare, nel tempo, strumenti, tecniche, modi di narrazione e di rappresentazione differenti.

A presto!

La Varietà come principio pedagogico 

L’enorme varietà degli stili figurativi presenti negli Albi illustrati rappresenta un grande arricchimento a livello pedagogico in merito alle tematiche sulla diversità. 

Attraverso lo stile illustrativo dell’Alemagna, il lettore impara a vedere con occhi diversi.
La prima volta che lessi un suo libro rimasi stranita dal suo stile figurativo, quasi non mi piaceva. In realtà dovevo solo “farci l’occhio”, dovevo abituare il mio sguardo a un tipo di raffigurazione che non mi era familiare.
E d’altronde ci sono “innamoramenti” che avvengono come colpi di fulmine e altri che hanno bisogno di più tempo.

Io quel tempo l’ho avuto e adesso aspetto sempre con ansia ogni nuovo libro dell’autrice. 

Le illustrazioni di Beatrice Alemagna ci introducono in una dimensione particolare che denota una grande personalità artistica: il suo segno grafico è molto riconoscibile. 

Le sue illustrazioni sono belle proprio perché imperfette.

Non vorrei fare paragoni azzardati, vorrei solo offrire un mio punto di vista: sfogliando i suoi libri talvolta mi viene in mente la ricerca di quel tratto spontaneo e naturale, caratteristico dei bambini, nel quale si avventurò per tutta la sua vita Pablo Picasso.

L’Albo illustrato di cui vorrei parlare è “​Un Leone a Parigi​”, edito in Italia nel 2009 dalla Donzelli editore.

Il formato

L’Albo “Un Leone a Parigi” è realizzato con una tecnica mista, è gigante, è disposto in orizzontale e si apre dal basso verso l’alto. E’ così organizzato: nel primo risguardo è illustrata la mappa dell’itinerario parigino che dovrà compiere il Leone e, a seguire, le pagine superiori contengono il testo colorato su uno sfondo bianco, mentre le pagine inferiori sono totalmente occupate dalle illustrazioni.

La Storia

È una storia surreale dove si intrecciano immagini visionarie e routine quotidiana.
È la storia immaginaria del Leone di Belfort​ (​Frédéric Bartholdi​, 1880)​, il famoso monumento di Piazza Denfert-Rochereau, e del viaggio che fece spinto dalla curiosità, dalla noia che provava nella sua Savana e dalla grande voglia di trovare “un lavoro, un amore, un avvenire.”

Quando però il Leone arriva a Parigi si accorge che la metropoli francese è molto diversa dalla sua terra d’origine e prova all’improvviso un grande senso di solitudine. 

Il viaggio, che si evolverà poi in cambiamento e crescita, è rappresentato dall’Autrice attraverso l’uso del colore che vira dai toni freddi a quelli caldi.

Mi fermo qui, non voglio raccontare il libro né mostrare altre immagini, perché vale la pena scoprirle da sé.

Vorrei solamente fare delle brevissime riflessioni personali finalizzate a fornire degli spunti per utilizzare questo Albo come strumento in ambito educativo (oltre che consigliarlo come piacevole lettura).

Il Leone Migrante ci riporta alla tematica del viaggio analizzata da Vladimir Propp (1895-1970) nel suo libro “Morfologia della fiaba” del 1928, in cui lo studioso collega il mondo simbolico degli antichi riti del viaggio di iniziazione alla nascita delle Fiabe. Secondo Propp la struttura delle fiabe deriverebbe proprio dal viaggio di formazione, irto di ostacoli e paure da superare, che l’iniziato doveva compiere per divenire adulto e realizzare se stesso come essere individuale e sociale.

Il senso di smarrimento iniziale che il Leone prova appena giunto a Parigi è lo stesso che prova un migrante quando arriva in un paese straniero, è quello che tutti possiamo provare di fronte a una nuova situazione ed è anche assimilabile a ciò che un bambino o un adolescente possono provare durante la crescita. Questo libro ci fa immedesimare negli stati d’animo del Leone spaesato e ci offre uno spunto di riflessione sul tema del cambiamento e ci insegna motore a guardare il mondo da diversi punti di vista per cercare il bello che esiste in tutto ciò che ci circonda.

All’interno di un percorso educativo-artistico l’albo “Un Leone a Parigi” ci suggerisce l’uso dei colori per esprimere gli stati d’animo; ci avvicina alla tecnica del collage e favorisce la sperimentazione di nuovi linguaggi espressivi; ci invita a superare la paura del cambiamento e a considerare nuovi punti di vista; ci guida verso la bellezza che si può nascondere dietro alla diversità.

Riflettendo sulle tematiche che mi sono state suggerite dalla lettura dell’Albo, ho individuato alcune parole chiave 🗝 il cui significato potrebbe essere sviluppato all’interno di un’attività educativa.

A presto! Federica

UN LEONE A PARIGI, Beatrice Alemagna, Donzelli editore, 2009

36 pagine

Età consigliata: dai 4 anni

https://www.ibs.it/leone-a-parigi-ediz-a-libro-beatrice-alemagna/e/9788868437015

Illustration by John Tenniel for Lewis Caroll, Alice’s Adventures in Wonderland, 1865

Benvenuti nel mio nuovo Blog di Arte e Pedagogia!

Inizio con il mio primo breve articolo che tratta una tematica molto attinente con l’arte e con la pedagogia: l’Educazione alla lettura, sia dei testi che delle immagini.

L’Educazione alla lettura delle immagini? Eh sì, perché è vero che impariamo a leggere le parole ma allo stesso modo dovremmo imparare a leggere anche le immagini. 

Perché? 
Perché al giorno d’oggi viviamo immersi in stimoli visivi di ogni tipo. E anche se il senso comune ci dice che la visione di troppe figure potrebbe lasciare poco spazio all’immaginazione, io sposerò riflessioni teoriche e studi che affermano il contrario: è possibile fantasticare anche in mezzo all’inflazione di immagini che caratterizza il nostro tempo. Ed è possibile farlo persino senza cercare di competere con gli affascinanti dispositivi multimediali (talvolta dispensatori di prodotti di altissima qualità e utilità) ma semplicemente convivendo con essi. Agendo sulla curiosità dei bambini e degli adulti si possono infatti impostare percorsi di Educazione alla Lettura e all’Immagine in grado di fornire strumenti per imparare a leggere, a interpretare e a distinguere le varie produzioni iconografiche, creando le condizioni per permettere alla fantasia di esprimersi liberamente.
Attraverso percorsi formativi specifici che si basano sull’educazione e la fruizione di stimoli visivi è possibile incentivare l’osservazione che porta a scoprire il mondo, comprenderlo e agire su di esso.
Lo sviluppo della fantasia e della creatività sono requisiti essenziali nella società attuale che cambia velocemente e che necessita di persone capaci di pensare e agire in maniera creativa, innovativa e in grado di muoversi con senso critico nel confine tra la realtà e la fantasia. Molti studi hanno dimostrato che possedere un ricco repertorio iconico consente una più efficace memorizzazione (attraverso le immagini si memorizzano i colori, i paesaggi, le espressioni del volto, le situazioni), un migliore apprendimento e una maggiore capacità immaginativa e creativa.
Gli studi di scienze cognitive sull’argomento mostrano che l’integrazione dei due codici, linguaggio e immagine, impegnano maggiormente le varie capacità cognitive. Il neuroscienziato Stanislas Dehaene studiando con la risonanza magnetica il cervello dei matematici ha scoperto che nel momento del ragionamento non si attivano le aree deputate al linguaggio ma piuttosto le aree visive e del pensiero astratto.

Le immagini sono poi in grado di generare suggestioni che non si possono spiegare attraverso il linguaggio verbale.

Illustrazione di Franco Matticchio tratta dal libro “Ho dimenticato l’ombrello”, Vànvere Edizioni, 2019

Le immagini nei libri

Il pedagogista Johannes Amos Commenius (1592-1670) scrisse il primo libro illustrato per l’infanzia,  l’Orbis Sensualium Pictus che all’epoca fu un testo molto utilizzato per l’educazione dei bambini.  Si tratta di un volume composto da immagini e didascalie che rappresentano e descrivono le cose che esistono al mondo, a cominciare dall’alfabeto. Nella prefazione dell’opera Commenius scriveva: “… l’esercitare assiduamente i Sensi a ben concepire le differenze delle Cose sia un ponere il Fondamento di ogni Sapienza, di ogni Eloquenza, e di ogni giusta, e prudente Azione”. E ancora “…non vedano Cosa, che non sappiano nominare, né nominino cosa, che non possano mostrare”.
Negli ultimi decenni dell’800 in Inghilterra (e nella seconda metà del ‘900 in Italia) compaiono i primi Albi illustrati moderni caratterizzati dalla particolare connessione tra testo e immagine, costituiti da illustrazioni non più solamente descrittive ma che si fondono con il testo e hanno capacità autonoma di narrare, di raccontare una storia attraverso i continui richiami che avvengono tra figure e parole. Vi è una differenza tra Libro e Albo illustrato: nel primo le immagini rappresentano il testo e sono in numero ridotto. L’albo contiene invece una quantità predominante di immagini che narrano una storia a sé e che può essere anche discordante rispetto al racconto del testo.

Illustrazione di Enrico Mazzanti per Carlo Collodi(1883) “Le Avventure di Pinocchio” edizione Felice Paggi, 1883

Successivamente appaiono i Silent Book, i libri senza parole in cui la narrazione è affidata alle sole immagini collegate fra loro sapientemente e in successione. Si tratta di libri bellissimi che permettono di superare le barriere linguistiche e incoraggiano la partecipazione attiva alla lettura.

Mariana Ruiz Johnson “Mentre tu dormi”, Carthusia

Un’occasione per intraprendere un percorso formativo di Educazione all’Immagine può essere creata attraverso l’utilizzo di Albi illustrati e Silent Book di buona qualità che siano in grado di promuovere la conoscenza degli elementi di base della comunicazione iconica, stimolare l’osservazione, lo stupore e la curiosità, l’interesse per la letteratura e l’arte, il senso estetico e l’immaginazione. 

Esistono dei criteri per scegliere i libri “giusti”? Secondo Gianni Rodari (1920-1980) i libri devono essere originali, caratterizzati dal nonsense e devono quindi destare sorpresa; Per Leo Lionni (1910-1999) nell’illustrazione deve esserci anche qualcosa di incomprensibile, di difficile interpretazione, che stimoli l’immaginazione;
Il Pedagogista e Docente all’Accademia di Belle Arti di Bologna Marco Dallari afferma che l’abbinamento tra testo e immagini deve produrre una discordanza di senso. Quando invece l’illustrazione si limita a descrivere un testo o a decorarlo non aggiunge nulla alla storia e può diventare, secondo l’artista Bruno Munari (1907-1998), “ridondante”.  Nel mio prossimo articolo presenterò un libro che possiede caratteristiche di qualità dal punto di vista formativo, un libro prezioso per la progettazione e la realizzazione di percorsi educativi che stimolino alla riflessione.

A presto! Federica